“La Cama”, com direção de Mónica Lairana, estreia dia 25 de abril em circuito nacional (Rio, SP, Salvador, Maceió, Aracaju, Curitiba, Manaus) divulga cartaz e trailer. Esta coprodução internacional (Argentina, Alemanha, Brasil, Holanda) estreou internacionalmente no Festival de Berlim, e fez sua première brasileira noFestival do Rio, em 2018. Mónica Lairana também assina o roteiro deste filme intimista que trata sobre o amor, do ponto de vista do doloroso processo de dissolução. O longa conta os atores argentinos Sandra Sandrini e Alejo Mango.
Jorge (60) e Mabel (59) decidem se divorciar após 30 anos de casamento. A casa onde viveram acaba de ser vendida e eles passam as últimas 24 horas debaixo do mesmo teto e vivenciam a nostalgia, a cumplicidade e a sexualidade remanescente desta relação. A separação deste casal sexagenário revela o processo de luto e de redescoberta de si mesma da personagem Mabel.
“Por detrás do drama sentimental, lidamos também com outras subjetividades: o medo de envelhecer, o medo da solidão, o declínio do corpo, a nudez.”
Mónica Lairana
“La Cama” ganhou os prêmios de Melhor Diretora Argentina e Melhor Atriz Argentina no Mar Del Plata International Film Festival de 2018 e foi elogiado pela imprensa argentina. Este é o primeiro longa da diretora que já participou de mais de 20 filmes como atriz.
Esta coprodução internacional também fez parte da seleção da Competição Internacional do Kerala International Film Festival na Índia. O filme ainda participou, em 2018, do Forum do Festival de Berlim. Entre outros festivais internacionais: Espoo Ciné International Film Festival, na Finlândia; do New Horizons International Film Festival, na Polônia; do Festival Black Canvas, no México; no Femcine – Festival De Cine De Mujeres, no Chile, e do Filmmor Women’s Film Festiva,l na Turquia.
No Brasil, “La Cama” participou do Festival Do Rio / Première Latina e também do Festival Juiz De Fora / Primeiras Películas.
As produtoras Rioabajo (Argentina) Gema Films (Argentina), 3 Moinhos (Brasil), Topkapi (Holanda) e Sutor Kolonko (Alemanha) assinam a produção do longa. Livres Filmes é a distribuidora no Brasil.
SINOPSE
Jorge (60) e Mabel (59) decidem se divorciar após 30 anos de casamento. A casa onde viveram todos esses anos acaba de ser vendida e eles passam as últimas 24 horas de convivência debaixo do mesmo teto. Enquanto desmantelam a casa, esvaziam também um baú de memórias afetivas e deixam-se levar pelo vai e vem das emoções e recordações, da despedida.
Mónica Lairana falou sobre a produção:
Como você chegou à ideia do filme La Cama?
Minha própria separação foi o ponto de partida para a história. A experiência de uma dor de partir o coração como nunca antes. Isso me fez pensar em quanto mais dolorosa uma ruptura como essa poderia ser em casais de muitos anos de convivência. Como cineasta, o interesse em narrar a separação de um casal que se separa depois de uma vida inteira cresceu em mim. Mas eu queria olhar para a intimidade das horas finais dessa coexistência, onde não há mais guerra, luta ou reprovação, mas simplesmente aceitação. E onde o outro tem que começar obrigatoriamente a se tornar um estranho. Eu queria condensar toda aquela situação em 24 horas e trancar os personagens dentro da casa em que eles viveram toda a vida juntos. A ideia era parar o mundo exterior por um momento, onde o único mundo possível era os dois atravessando o último cruzamento. Eu queria retratar o processo de dissolução e desmantelar o relacionamento, mas sem cenas de discussões ou brigas, mas focando nos pequenos gestos e olhares, as sensações e a maravilha da vida cotidiana. Acima de tudo, queria parar de olhar para os corpos dos protagonistas. Porque são seus corpos que são arrastados por suas emoções.
Qual papel que a nudez desempenha no seu filme?
O nu é considerado um gênero artístico em si, e eu sempre me interessei em abordá-lo em meus trabalhos. Acima de tudo, estou interessado em investigar o tipo de nudez não idealizado, que elimina o conceito tradicional e busca sua essência além dos conceitos de beleza. Estou interessado em retratar corpos reais, com os vestígios naturais da passagem do tempo. Filmar a plenitude de suas dobras, suas rugas, seus sexos naturalmente expostos à câmera, pela força e poder do verdadeiro e natural que eles trazem para o filme. São também os corpos nus que nos levam a outros níveis de leitura sutilmente sugeridos, como o medo da velhice. Uma pessoa nua também pressupõe uma situação de intimidade, gera uma proximidade com o privado que eu estava interessado em construir com todas as ferramentas formais possíveis. Uma pessoa nua é a imagem que tenho de alguém que não pode e não quer esconder sua essência. É a imagem que represento de uma pessoa que se atreve a dizer francamente: sou eu, como nasci, como vou morrer. É na verdade, como nós realmente somos. E eu queria que meus protagonistas se enfrentassem e se enfrentassem nessa situação complexa e dolorosa, despojada de tudo, crua.
O filme tem um conjunto de cenas muito particular. Por que você escolheu essa forma para representar a dor sofrida por seus protagonistas?
Neste trabalho, propus especialmente colocar o espectador na situação de voyeur, como uma testemunha que observa toda aquela intimidade a distância. Eu queria aprofundar a sensação de estar espionando a intimidade dos meus personagens em suas atividades mais privadas. Comer, tomar banho, se vestir, chorar, dormir. A história cresce à medida que o espectador assume seu papel de voyeur e se envolve quase sem perceber com essa intimidade que ele observa. Com esse propósito, optei por gravar a partir de uma perspectiva e de uma encenação de certa forma ligada ao cinema de observação. Um estilo de câmera que capta eventos íntimos mas sem intervir neles, de uma distância auto-imposta, para obter uma espécie de narração cinematográfica com muito sentimento real. O plano de seqüência também ajuda a construir a sensação de estar espionando uma situação ou uma pessoa, quase como se a câmera não estivesse presente. Espiar a dor dos outros é uma situação muito incômoda e incorreta, mas é algo muito poderoso no cinema e o impacto que isso gera no espectador é muito profundo.
Por que você escolheu esse ritmo tão singular para o filme?
Sinto que vivemos em uma sociedade e em um mundo moderno, onde a velocidade da produtividade, da tecnologia, que nos levou a acreditar que, quando paramos o ritmo, estamos errados. Já não nos permitimos a calma da contemplação, a serenidade da observação silenciosa, indispensável para sentir a empatia com as pessoas e com o mundo que nos rodeia. Eu me sinto muito longe dessa demanda por velocidade. A conexão com outro tipo de pensamento e reflexão mais profundos acontece depois que desistimos da necessidade de respostas rápidas, depois de passar pelo primeiro impulso para deixar a nossa pausa. É nessa pausa, naquele momento que, na verdade, quase magicamente e inevitavelmente, nos encontramos face a face conosco mesmos como seres humanos. Hoje em dia, as pessoas correm e preenchem sua agenda com obrigações para não ter essa pausa para refletir sobre a vida e sobre si mesmas. É muito comum que os casais se separem após o período de férias, porque durante as férias eles são forçados a parar, contemplar e contemplar, a compartilhar muito tempo juntos sem tarefas que preencham as horas e os impeçam de refletir. Diante dessa pausa, parar o olhar, é algo que me interessa na vida, e também no cinema.
Como foi o trabalho com os atores? Quão importantes são os silêncios, a aparência e o trabalho plástico com os corpos?
Em mais de 15 anos de trabalho como atriz aprendi a importância que o corpo humano tem como uma linguagem em si, para comunicar idéias, emoções e conceitos. O corpo é o instrumento primário e essencial de qualquer narrativa. É por isso que eu estava interessado em minha história, girando principalmente em torno dos corpos dos meus protagonistas, porque são os corpos que são atravessados por sentimentos de confusão e profunda tristeza. Embora seja um filme sobre desespero, solidão e fim do amor, aqueles que lideram e avançam o enredo de alguma forma são aqueles corpos velhos e enrugados, sua proximidade, sua distância e a vibração entre eles.O trabalho com os atores foi magnífico. Estávamos todos muito convencidos do que estávamos fazendo. Anteriormente, tínhamos um treinamento puramente físico para criar com nossos corpos a vida diária e a naturalidade de que precisávamos. Aqueles corpos tinham que parecer que se conheciam a vida toda. E eles tinham que se sentir confortáveis com os corpos um do outro. Ao mesmo tempo, ensaiamos algumas cenas para gerar a relação entre eles, que também teve que ser construída através de olhares e silêncios. Eu não queria construir uma história sustentada na palavra e no discurso, mas, ao contrário, dar maior importância à observação cuidadosa dos corpos em cada situação pela qual eles devem passar. Foi um trabalho intenso que nós gostamos muito. Sandra Sandrini e Alejo Mango são dois magníficos atores, com muita dedicação ao trabalho e muito humor.
De que maneira sua experiência como atriz a ajudou na direção de atores e a pensar sobre o tom da interpretação?
Acho que o mais importante foi a relação de confiança que pude construir com eles, através de uma comunicação franca e sincera. A transparência de meus propósitos com o filme em cada uma de nossas conversas e no trabalho anterior de ensaios foram fundamentais para o resultado final. Nesse sentido, como atriz, a experiência de ter se sentido, às vezes, longe das intenções do diretor (no sentido de pouca informação sobre a encenação que é dada aos atores na maioria dos casos) gera mecanismo de defesa especialmente em cenas envolvendo nus ou alguma exposição. Estou convencido de que os atores são aliados e que é muito importante que a relação diretor-ator seja muito clara sobre o que o diretor pretende capturar e tirar dos atores.
De que maneira vamos usar seus corpos e suas emoções?
Sou muito hostil à manipulação dos atores no set, como se fôssemos a única parte da equipe que não é capaz de entender o que deveria ser feito para contribuir para um filme melhor. Eu também gosto de trabalhar com atores cujos egos não são colocados acima dos trabalhos. Quer dizer, eles entendem que o cinema é a soma de muitos elementos e que nenhum deve estar acima do outro, mas somando. Entender a linguagem dos atores é, sem dúvida, algo que facilita o trabalho. Entender o que eles precisam entender ou fazer com seus corpos antes de filmar uma cena é uma coisa boa e fundamental. Às vezes, mesmo que não tenhamos tempo de saber como esperar que o ator esteja pronto, teremos a certeza de que ele dará o melhor de si e nos dará o melhor de si.
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